4. Februar: Das saß

Bei der 66. Grammy-Verleihung räumen vor allem Bands mit Frauenanteil ab. Paramore etwa erhalten als erste Band mit einer Sängerin überhaupt den Preis für das beste Rockalbum, während die Supergroup Boygenius für die beste Rock-Performance, den besten Rocksong und das beste Alternative-Album gekürt wird. In Rahmen der Veranstaltung findet Boygenius-Mitglied Phoebe Bridgers deutliche Worte für Neil Portnow, der 2018 in die Kritik geraten war, nachdem er gesagt hatte, dass Frauen sich einfach mehr anstrengen sollten, wenn sie auch Musikpreise gewinnen wollen: “Ich weiß, dass du noch nicht tot bist”, so Bridgers an den ehemaligen Grammy-Chef gerichtet, “aber wenn du es bist, verrotte in Pisse.”

30. Juni: Mehr als akzeptabel

Als Idles beim Glastonbury-Festival spielen, wird zum Pro-Immigrationssong “Danny Nedelko” im Publikum ein aufblasbares Boot mit als Migranten verkleideten Attrappen “zu Wasser gelassen”.  Hinter der Aktion steckt der Streetart-Künstler Banksy, der damit die Einwanderungspolitik von Ex-Premierminister Rishi Sunak kritisieren will. Später taucht das Schlauchboot auch beim Set von Rapperin Little Simz auf. Der britische Außenminister James Cleverly nennt die Aktion im Nachgang “abscheulich und inakzeptabel.” Banksy reagiert: “Das echte Boot, das ich finanziere, die MV Louise Michel, rettete […] 17 unbegleitete Kinder aus dem zentralen Mittelmeer. Zur Strafe haben es die italienischen Behörden in Gewahrsam genommen – was ich für abscheulich und inakzeptabel halte.”

26. Juli: Es wird gut

Gojira sind Teil der Eröffnungszeremonie der Olympischen Spiele in Paris. Die Metal-Band aus Ondres in Aquitanien spielt das Kampflied “Ah! Ça ira”, das zu Zeiten der Französischen Revolution geschrieben wurde. Dabei unterstützt sie die französisch-schweizerische Opernsängerin Marina Viotti. Die kurze Show ist spektakulär: Als Kulisse dient die mittelalterliche Conciergerie, ein ehemaliges Gefängnis, dazu gibt es Feuerwerk und eine Schauspielerin tritt als enthauptete Marie Antoinette auf. Viotti fährt gegenüber der Band auf einem Boot auf der Seine vorüber. Schwer zu glauben, aber wahr: Damit sind Gojira die erste Metal-Band, die die Olympischen Spiele miteröffnet. Das darf Schule machen.

27. August: Definitely!

Oasis geben ihre Reunion bekannt. Nach 15 Jahren Bruderzwist haben sich Noel und Liam Gallagher offenbar vertragen: “Die Waffen sind verstummt”, so das Statement. “Die Sterne haben sich ausgerichtet. Das große Warten ist vorbei. Kommt und seht selbst.” Auf den Ankündigungspostern sind zunächst nur die Brüder zu sehen, Gerüchten zufolge sollen aber auch Gründungsgitarrist Paul “Bonehead” Arthurs, Gem Archer, Andy Bell und Zak Starkey dabei sein. Die Tour startet am 4. Juli 2025 in Cardiff und führt die Band im Laufe des Jahres um die ganze Welt. Darauf folgt eine für News-Outlets wahre Wonne an Meldungen, unter anderem zu teuren Tickets und einem möglichen neuen Album. 2025 wird unterhaltsam, allein schon wegen Oasis.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Oasis (@oasis)

05. September: Wiederbelebung

Emily Armstrong tritt erstmals als Linkin Park-Sängerin auf. Die neu formierte Band spielt eine live gestreamte Show im Studio 30 auf dem Gelände der Warner Studios in LA, im Publikum befinden sich nur geladene Mitglieder des offiziellen Fanclubs. Mit dem Erscheinen von Armstrong zu Beginn der zweiten Strophe der Comeback-Single “The Emptiness Machine” bewahrheiten sich Gerüchte, die aufgekommen waren, weil sich einige Wochen im Vorfeld unter anderem Orgy-Frontmann Jay Gordon in einem Interview verplappert hatte. Weil Armstrong, zuvor bei der Band Dead Sara aktiv, offenbar Verbindungen zur Sekte Scientology und Sexualstraftäter Danny Masterson hat, läuft das Internet ebenso auf Hochtemperatur wie rund um die Oasis-Reunion. Dem Erfolg des neuen Albums “From Zero” tut das keinen Abbruch: Weltweit erobert es die Charts, während die angekündigten Konzerte blitzschnell ausverkaufen.

13. September: Unrühmlich

Während eines Auftritts in Boston boxt Jane’s Addiction-Sänger Perry Farrell Gitarrist Dave Navarro auf offener Bühne. Farrell ist offensichtlich alkoholisiert, die Show und die restliche Tour der Alternative-Rock-Veteranen werden abgebrochen. Das Trara in der Folge ist groß: Farrell entschuldigt sich, seine Frau Etty versucht den Vorfall zu erklären. Der Rest der Band gibt sich zerknirscht, es meldet sich ein Gitarrentechniker mit unschönen Details, wie es hinter der Bühne weiterging. Martyn LeNoble, Gitarrist von Farrells anderer Band Porno For Pyros, bezeichnet den Sänger in einem Statement als den schlimmsten Frontmann, mit dem er je gearbeitet hat, und Etty Farrell als furchtbare Person. Was dabei leider in den Hintergrund gerät: die guten bis sehr guten neuen Songs “Imminent Redemption” und “True Love”.

13. Oktober: So long and thanks

NOFX spielen ihr letztes Konzert. Rund zwei Stunden spielen Fat Mike, Eric Melvin, El Hefe und Smelly in Los Angeles, mit dabei bei der historischen Begebenheit sind Wegbegleiter wie Tim Armstrong (Rancid), Nate Albert (ehemals The Mighty Mighty Bosstones), Brett Gurewitz, Jay Bentley (beide Bad Religion), Dexter Holland (The Offspring), Chris Shiflett (Foo Fighters) und Fletcher Dragge (Pennywise). Seit 2023 war die Abschiedstour von NOFX gelaufen und hat 73 Shows umfasst, rund 16.000 Besucher:innen sehen sich den finalen Auftritt live an. Mit dem endet eine 41-jährige Punk-Erfolgsgeschichte mit legendären Songs und Alben, die nicht nur für den VISIONS-Kosmos prägend sind, auch was künstlerische Unabhängigkeit betrifft. NOFX haben immer nach ihren eigenen Regeln gespielt hat, waren nie auf einem Major-Label und haben mit Fat Wreck Chords den Weg für viele weitere Bands geebnet.

05. November: 2016 again

Donald Trump wird zum zweiten Mal zum US-Präsidenten gewählt, die Bestürzung unter Bands und Musiker:innen ist groß. Jack White fasst zusammen, was man in den kommenden Jahren im Gedächtnis behalten sollte: “Die Amerikaner haben einen bekannten, offensichtlichen Faschisten gewählt, und jetzt wird Amerika bekommen, was immer dieser Möchtegerndiktator von nun an verordnen will. Wir wissen alle, wozu er fähig ist: Project 2025, Abschiebungen, landesweites Abtreibungsverbot, Aufhebung seiner eigenen Amtszeitbeschränkung, Unterstützung für Putin und seinen Krieg, Schließung des Bildungsministeriums, Verschärfung des Klimawandels, Einschränkung der Rechte von LGBTQ.” Mit Galgenhumor versuchen es die Donots: “Zumindest sind die nächsten vier Jahre Kopfschütteln über den orangen Maulwurf gutes Satire-Futter und beste getriebene Subkultur-Musik gesichert. Putting punk back into punk.”

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Jack White (@officialjackwhite)

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von DONOTS (@donotsofficial)

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

Kann ein Handschlag eine popkulturelle Bewegung stoppen? Er kann. 30. Juli 1997, Labour-Kandidat Tony Blair hat mit seinem Konzept von “New Labour” (Sozialdemokratie plus Neoliberalismus) die Wahl gewonnen und wird als britischer Premierminister eingeführt. Nach 18 Jahren Tory-Regierung, die meisten davon unter der lähmenden Regentschaft der “Iron Lady” Margaret Thatcher. Die Insel atmet auf, man lässt frische Luft hinein. Etwa in Person des im Sommer 1997 größten Pop-Songwriters, Gitarristen und Teilzeitsängers des Königreichs: Noel Gallagher ist einer der Gäste bei Blairs Einführung. Als Stellvertreter für “Cool Britannia”, wie Marketingleute die Britpop-Bewegung nennen, die seit 1994 die britische und zu gewissen Teilen auch die kontinentaleuropäische Rockwelt dominiert. Es kommt zum fatalen Handschlag zwischen der großen Politik und Britpop: Der neue Premierminister lächelt selig, Gallagher spöttisch, im Hintergrund schaut Alan McGee, Boss des Labels Creation, skeptisch, vielleicht ahnend, was da kommen wird. Die anderen Gäste wundern sich, dass dieser Gallagher aus Manchester entgegen dem Protokoll keine Krawatte trägt.

Wenige Jahre später steht Blair bedingungs­los an der Seite des US-Präsidenten George W. Bush und führt das Königreich in widersinnige Kriege, als gelte es, den ramponierten Ruf der alten Imperialmacht zu untermauern. Und Oasis? Veröffentlichen ein Album mit dem Titel “Standing On The Shoulder Of Giants”, mit Songs wie “I Can See A Liar”, “Put Yer Money Where Yer Mouth Is” und “Fuckin’ In The Bushes” – sowie “Little James”, das Liam Gallagher für seinen kleinen Sohn schreibt. Cool Britannia und New Labour? Alles Lüge! Am 30. Juli 1997 wird Britpop zu Grabe getragen. Doch wie das mit Musikgenres und popkulturellen Trends nun einmal ist: Sie kommen wieder. Mal als Zombies, mal sehr lebendig. Oft als Mischung aus beidem. 2024 traf es Britpop.

Dawn of the dead

Der Zombie-Faktor? Nehmen wir Blur. Die spielen 2024 beim Coachella-Festival und treffen dort, anders als in London oder Tokio, auf ein gelangweiltes, wenig verständnisvolles und schon gar nicht textsicheres Publikum. Woraufhin Sänger Damon Albarn genervt von der Bühne plärrt: “Ihr werdet uns nie wieder sehen, also könnt ihr genauso gut mitsingen!” Als wenn es daran läge. Gitarrist Graham Coxon hält später in einem Interview über den Trip in die südkalifornische Wüste beinahe beleidigt fest: “Da dauert es 14 Stunden, bis man da ist, und dann spielt man vor Leuten, denen man scheißegal ist. Die schauen einen an, als wollten sie sagen: Wer ist dieser alte Penner?”

Was für alte Penner Blur sind, belegt auch die Banddokumentation “To The End”, die im Herbst in ausgewählten Kinos läuft. Zu sehen sind Wohlstandsherren Mitte 50, die ausgesorgt haben und sich doch noch einmal aufraffen, um die Band zurück auf die Bühne zu bringen und ein neues Album aufzunehmen. Die Platte “The Ballad Of Darren” ist toll. Dem Film hilft das wenig. Vor allem, weil er in sehr vielen Einstellungen Albarn und Bassist Alex James als zwei Dandys wie aus einer Werbung für eine Altersvorsorge zeigte. Mit Wampen, Wollpullis, Wollmützen und Kaffeebechern am Meer, in das sie am Ende natürlich hineinspringen. Wer diese Szenen sieht, hat Verständnis dafür, dass junge Leute aus Kalifornien nicht unbedingt ausflippen, wenn diese Typen vom “Death Of A Party” singen oder eine “Popscene” beschreiben, wie sie vor 30 Jahren existiert hat. Was man aber auch sagen muss: Für nostalgisch getrimmte Hörer ist das 2024 veröffentlichte Konzertalbum “Live At Wembley Stadium” ein großes Vergnügen. Und Blur bleiben eine tolle Band. Sie sollten nur nicht mehr in der Wüste spielen und Dokus über sich drehen lassen.

Die Blur-Shows im altehrwürdigen Londoner Stadion dürften einer der Gründe sein, warum oben in Manchester zwei Brüder endlich wieder zusammenfinden: 2024 entscheiden sich die Gallaghers, 2025 als Oasis zurückzukommen. Das Jahr über haben sie nicht viel mehr gemacht, als eine Fotosession über sich ergehen zu lassen und ein paar Social-Media-Beiträge abzusetzen.

Plus: Es erscheint Liam Gallaghers Album mit Stone-Roses-Gitarrist John Squire, eine Platte, die zweifellos ihre Längen, mit “Mars To Liverpool” aber auch einen der besten Songs des Jahres an Bord hat. Wie hoch die Fallhöhe für Oasis im kommenden Jahr sein wird, zeigen ein paar Randereignisse mitten aus dem Reunionrausch. Ende November melden Oasis für einen Montagmorgen eine “große Ankündigung” an – “big for Oasis fans!” Ein neuer Song? Ein Album gar? Am Ende geht es um die Verlosung von zwei (!) Tickets. Das Credo im Netz: die schlimmste Ankündigung aller Zeiten.

Zuvor hat es für die Band und ihr Management bereits Ärger gegeben, weil sie sich nicht im Vorfeld gegen die Preisgestaltung des Kartenverkäufers Ticketmaster gestellt haben: Schien es über Jahre so gewesen zu sein, als würden sich die Fans bei den virtuellen Prügeleien um Tickets so ziemlich alles bieten lassen, gibt es im Fall Oasis veritablen Ärger. Die Methode des “dynamic pricings” wird als das entlarvt, was sie ist: Ein neoliberaler Weg, Leute zu schröpfen, die etwas haben wollen, das sehr nachgefragt ist. Dass die Hotel- und Airbnb-Kurse in den Städten, in denen Oasis 2025 spielen werden, direkt nach der Ankündigung des Tourplans in abstruser Weise durch die Decke gehen und einige Hotels bestehende Buchungen stornieren, um die Zimmer zu deutlichen höheren Raten neu zu vergeben, sorgt für extremen Frust. Und ruft Verbraucherschützer und Politiker auf den Plan, die fordern, ein solches Vorgehen müsse verboten werden. Natürlich wird dieser Ärger längst verflogen sein, wenn Oasis 2025 “Champagne Supernova” spielen. Aber die Gallaghers werden zuletzt schon gemerkt haben, dass ihnen der Wind, den sie gerne selbst ins Internet blasen, auch mal ins Gesicht wehen kann.

Spätberufen auf der Eins

Weg von den Britpop-Untoten, hin zu den erstaunlich vitalen Silberlocken: Einige Veteranen der klassischen Britpop-Jahre werden 2024 dafür belohnt, sich im Laufe des Jahrzehnts nicht zerfleischt zu haben, am Ball geblieben zu sein. Mit der Folge, eine überaus loyale Fanbasis aufgebaut zu haben. Eine Community, die 2024 dafür sorgt, dass gleich mehrere Bands mit ihren Alben hohe Platzierungen und sogar den Nummer-eins-Spot in den britischen Charts belegen. Das ist im Zeitalter des Streamings keine so große Sache mehr, wie es Mitte der 90er der Fall gewesen war. Bemerkenswert sind die kommerziellen Erfolge der Veteranen dennoch. Im September etwa stehen Shed Seven aus York mit “Liquid Gold” ganz oben, einem Album mit von einem Orchester unterstützten Neueinspielungen älterer Songs. So eins haben James aus Manchester bereits erfolgreich 2023 erledigt; 2024 erreichen sie mit den neuen Songs ihres Albums “Yummy” Platz eins der UK-Charts. Nicht ganz so hoch hinaus geht es für Kula Shaker, aber das neue Album Natural Magick führt auch die Psych-Britpopper in die hohen Chartpositionen, die sie Ende der 90er mit ihren ersten beiden Platten erreicht haben. Auch die melodieverliebten Cast aus Liverpool finden 2024 mit dem Album “Love Is The Call” zurück in die Erfolgsspur.

Man darf davon ausgehen, dass diese alten Britpop-Recken mit ihren neuen Platten zuverlässig ein älteres Publikum versorgten. Es gab 2024 aber auch deutlichen Spuren von Britpop im Sound der aktuell angesagtesten Bands der Indie- und Alternative-Szene. Die Newcomer Brigitte Calls Me Baby aus Chicago zum Beispiel zeigten auf ihrem Debütalbum “The Future Is Our Way Out”, wie The Smiths 2024 vielleicht klingen würden, wenn das mit Morrissey alles ein bisschen anders laufen würde. Sänger und Songwriter Wes Leavins bedient das dafür nötige Pathos und vermittelt Botschaften wie “I Wanna Die In The Suburbs” oder “You Are Only Made Of Dreams”, während seine Band bei “Eddie My Love” den Jingle-Jangle des Britpop mit dem Sound der 60er-Beatband The Shadows zusammenbringt.

Dass Britpop auch in der Top-Etage des Pop eine Rolle spielt, zeigen einige Stücke des Albums, das der Superproduzent Jack Antonoff in den wenigen Wochen der jüngeren Zeit, in denen er nicht mit der Arbeit für Taylor Swift beschäftigt war, mit den Bleachers aufgenommen hat. Antonoff ist generell ein begnadeter Genre-Plünderer; Songs wie “Woke Up Today” erinnern an die Beatles und ihre vielen Wiedergänger aus der großen Zeit des Britpop.

Fontaines D.C. sind seit jeher dafür bekannt, pro Album mindestens einen Song mit Britpop-Verweis rauszuhauen. Auf Romance übertreffen sie sich in dieser Hinsicht selbst: “Favourite”, letzter Song der Platte, ist ein perfekter Jingle-Jangle-Britpopsong, der die Frühlingsgefühle der mittleren 90er zurückholt. Eine Falle, denn im Song singt Grian Chatten von der Traurigkeit einer Rückkehr. Vom fahlen Beigeschmack der Nostalgie. Fontaines D.C. docken Britpop-Elemente an ihren Post-Punk an. High Vis aus London lassen Britpop in ihre Post-Core-DNA einfließen. Bei manchem Song ihres dritten Albums “Guided Tour” wirkt es, als wären die Stone Roses als Punkband auferstanden, mit einem Sänger, der deutlich lauter zu Werke geht, als es seinerzeit bei Ian Brown der Fall war. The Last Dinner Party, eine der Aufsteigerbands des Jahres, entwerfen in Songs wie “The Feminine Urge” einen dringend notwendigen weiblichen Gegenentwurf zur Britpop-typischen “Lad-Culture” mit Bier und Fußball – und verweisen mit ihrem Sound auch auf von Frauen geprägte Britpop-Bands wie Catatonia mit Sängerin Cerys Matthews oder Kenickie.

Universal Britpop

Nun ist es zwar interessant, aber nicht superungewöhnlich, dass ein bestimmter Stil aus einer bestimmten Zeit auch die aktuelle Musik beeinflusst. Was 2024 aber wirklich überrascht: Wie aus Britpop ein Modewort für Modern Pop wird. Eine Marke. Eine Einstellung. Eine Lebenshaltung. Etwas, das weit über die Musik hinaus geht. Und zwar eben nicht nur für Jungs, die gerne Fußball gucken und Bier trinken. Sondern auch für junge Frauen aus Schwarzen Communitys.

A.G. Cook ist ein englischer Produzent innovativer Dance-Musik, darüber hinaus ein Einflussgeber und Möglichmacher einer neuen Szene, die sehr stark den progressiven Modern Pop beeinflusst. Unter dem großen Dachnamen Hyperpop lassen sich Acts und Songs zusammenfassen, die sich alle Freiheiten nehmen und keinerlei Grenzen akzeptieren. Weder in der Musik noch in der Identität, wobei diese wiederum fluide und virtuell sein kann. Hyperpop ist beides: Pop und eine Karikatur von Pop. Die Selbstironie ist in dieses Genre per Werkseinstellung mit eingebaut, wird von den Acts aber sehr schnell an- und wieder ausgestellt. Mit dieser Haltung ist Hyperpop wie gemacht für das Hyper-Netzwerk Tiktok, diesem Dschungel aus Filmchen, Selbstdarstellungen und Verweisen.

Cook ist einer der Menschen, die das alles verstehen. Er arbeitete mit der Produzentin Sophie zusammen, bis zu ihrem Tod 2021 einer der Stars der Szene, produzierte für Beyoncé. Er war zudem kreativer Direktor für Charli XCX, der es 2024 mit ihrem Album “Brat” gelang, nicht nur diesen Begriff groß zu machen, sondern damit auch den Lifestyle von Millionen von Menschen zu verändern. Mit seinen eigenen Alben verfolgt Cook den Anspruch, die großen Symbole und Marken zu vertonen. Jene der Gegenwart, wie auf dem Album “Apple”. Oder jene der Zukunft wie “7G”, dem Mobilfunknetz der 7. Generation, mit dem es, wie Zukunftsforscher glauben, möglich sein wird, jederzeit virtuelle Welten zu betreten.

Cooks Album für 2024 trägt den Titel “Britpop”. Nicht, weil die Musik so klingt: Cook bleibt seinem verspielten und verrutschen Electro-Sound treu. Sondern weil er als Künstler darüber nachgedacht hat, warum der Einfluss britischer Musik so groß ist, auch in den USA. Ausgehend von der Beatlemania und der damit verbundenen “British Invasion” von Beatbands in den 60ern wie den Kinks und Rolling Stones, Zombies und Hollies, Small Faces und The Who, Dave Clark Five und der Spencer Davis Group. Alles Bands, die auch den originären Britpop-Stil beeinflusst haben. In einem Interview beschreibt A.G. Cook Britpop als “lustiges Zeitgeistphänomen”, das in der Tradition von “Underground-Künstlern steht, die mit universellen Symbolen spielen”. Daher hat er für das Artwork des Albums und der Videos den Union Jack pink und grün gefärbt – als handele es sich um eine Flagge aus einem anderen Paralleluniversum. Um ein Symbol, das Gemeinschaft, Kreativität und Identität feiert, ohne die historische Schuld mit sich zu tragen, die beim Union Jack naturgemäß mitschwingt.

Die Attraktivität eines Dachbegriffs

Als Künstler sei er immer auf der Suche nach solchen Symbolen, sagt er. Und er ist da längst nicht der einzige: Dass Britpop 2024 zu einer Referenz geworden ist, auf die sich weltweit auch junge Leute sich einigen können, die nie etwas von Bands wie Sleeper, Ocean Colour Scene oder Menswear gehört haben, liegt für Cook an der “Zersplitterung der Popkultur seit dem Aufkommen des Internets”. In den 90ern konnte man sich eine der Wochenzeitschriften holen und sich sicher sein, die versammelten Band der Britpop-Bewegung in diesem Heft zu finden. Irgendwas gab es immer zu berichten, über Suede, die Boo Radleys oder Supergrass. Das Lesen und Herumtragen des Magazins zeigten zudem: Ich bin einer von euch. “Wenn man es aber wie heute mit einem aufgebrochenen Mainstream zu hat”, sagt Cook, “und jeder in Subkulturen existiert, werden alle Begriffe und Symbole, die einem dabei helfen, sich an etwas Universelles zu klammern, sehr attraktiv.” Britpop ist also eine Klammer. Eine freiwillig gezimmerte Schublade. Um untereinander und mit den Fans in Dialog zu treten. Aus der Not einer zerfledderten Welt heraus nimmt sich die junge Generation ein Genre von früher. Um es neu zu deuten. Sich unter diesem Dach zu versammeln.

An dieser Stelle unterscheidet sich das Britpop-Revival im Modern Pop vom originären Britpop der 90er. Letzterer wurde hauptsächlich geprägt von Jungsbands, auf deren CDs der Sticker “buy British” stand und die angefeuert wurden von den wöchentlich erscheinenden Musikmagazinen, die keinen Hehl daraus machten, dass sie auf den gerne mies gelaunten US-Alternative-Rock keinen Bock mehr hatten, stattdessen wieder Gruppen aus London und Birmingham, aus Carlisle, Dublin, Dundee, Humberside abfeiern wollten. Verbunden mit der unmissverständlichen Botschaft: “Yanks go home!” Noch 1992 wurde Morrissey medial dafür vernichtet, dass er beim von der Band Madness organisierten Madstock-Festival mit einem Union Jack um die Hüften auf der Bühne herumgeturnt war. Nur wenige Monate später war die Flagge allgegenwärtig: auf Magazincovern, auf Noel Gallaghers Gitarre, wenn es darum ging, Suede zur besten Band Welt zu erklären. Was dabei immer eine Rolle spielte: Nationalismus, Chauvinismus.

Das ist 2024 anders. Es wirkt, als hätten sich ausgerechnet die Marginalisierten die Symbole zurückerkämpft. Ein paar Beispiele: Nia Archives, eine 24 Jahre alte Schwarze Breakbeat-Künstlerin, trägt auf dem Cover ihres Debütalbums “Silence Is Loud” einen schillernden Union Jack auf den Zähnen. Modern-Pop-Superstar Dua Lipa sagt, sie habe sich bei der Arbeit an ihrem 2024er-Album “Radical Optimism” mit der Geschichte des Britpop beschäftigt und dabei erkannt, dass es ihr helfen könnte, den Pessimismus zu verdrängen: Britpop sei “selbstbewusst optimistisch” gewesen: “Diese Einstellung habe ich in meine Aufnahmesessions mitgenommen.”

Die Songwriterin Rachel Chinouriri zeigt auf dem Cover ihres von Indierock beeinflussten Albums “What A Devastating Turn Of Events” eine Szenerie wie aus dem Booklet des Blur-Albums “Parklife” – eine Sozialbausiedlung, beschmückt mit der englischen Flagge, dem Sankt-Georgs-Kreuz. Der erste Song der Platte heißt “Garden Of Eden”, als wäre dieses kleinbürgerliche englische Idyll für eine Künstlerin wie Chinouriri tatsächlich das Paradies – und nicht die potenzielle Hölle. “Für Schwarze und People of Colour ist diese Flagge nichts, worauf man stolz sein könnte”, sagt sie in einem Interview mit der englischen Zeitung Guardian. Weshalb ihr Umfeld ihr auch davon abriet, die Fahnen auf ihrem Albumcover zu zeigen, zumal das Georgskreuz von rechtsradikalen Gruppen wie der English Defense League vereinnahmt wird. Doch gerade deshalb bestand Chinouriri darauf. Ausgehend von der Erfahrung, ihre britische Identität in einer Zeit wiederentdeckt zu haben, als sie sich während eines Aufenthalts in Los Angeles einsam gefühlt hatte. Der Song “The Hills” erzählt von diesen Gefühlen – und klingt passenderweise wie eine clevere Kombination aus US-Indierock und Britpop. Die Flagge zu verwenden, sei für sie wie eine “Feier, sich dieses Symbol zurückzunehmen – verbunden mit der Botschaft: ‘Ihr könnt mich nicht loswerden’.”

Auf diese Art kehrt Britpop zu seinem Ausgangspunkt zurück. Zur Idee eines neuen Verhältnisses zwischen Pop, Rock und Politik. Einer Vorstellung von Musik als Mittel, um eine gute Zeit zu haben. Selbstbewusst im Leben zu stehen. Eigene Welten zu erschaffen. Mit großer Fresse zu behaupten, dazuzugehören. Mehr noch: das Beste zu sein, was diesem Land, ach, dieser Welt passieren konnte. Auch ohne Ausbildung an einer Privatschule oder Studium an einer Eliteuni. Die ganz jungen Gallaghers haben so gedacht. Und aus dieser Haltung heraus einer der besten Rockbands aller Zeiten gegründet. Es ist fantastisch, dass Britpop 2024 zu dieser Grundhaltung zurückgekehrt ist. Mit dem Erfolg der Alten, das auch. Aber dazu mit ganz anderen Klängen. Die gute Nachricht am Ende: Bei der Einführung des neuen Labour-Premiers Keith Starmer ist kein Popstar weit und breit zu sehen.

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

Sex Pistols

Wer bei der vierten Reunion der Sex Pistols nur schnelles Geld wittert, liegt erstmal falsch: die Punklegenden tun sich zunächst im Juni mit Ex-Gallows-Sänger Frank Carter zusammen, um zwei ausverkaufte Benefizshows in der Londoner Bush Hall zu spielen. Damit wollen sie unter anderem die Zukunft des Venue bewahren. Weil das offenbar gut ankommt, folgt ein Festivalauftritt in Italien und eine UK-Tour. Nur “Sex Pistols” darf sich das Ganze nicht mehr schimpfen. “Frank Carter and Paul Cook, Steve Jones, Glen Matlock of the Sex Pistols” steht auch bei ihren kommenden zwei Deutschlandkonzerten – den ersten seit 1996 – auf dem Tourplakat. Warum, weiß wohl John Lydon am besten, der als einziges Gründungsmitglied nicht Teil der Reunion sein wird und zuletzt wohl am meisten Kontakt mit seinen Ex-Kollegen wegen eines verlorenen Rechtstreits über Songrechte hatte.

Babyshambles

Nach mehreren Entzugsversuchen hat Pete, pardon: Peter Doherty die Kurve gekriegt und ist nun annährend clean. Zumindest vom Heroin lässt er die Finger und konnte sich deswegen auch wieder mit den Libertines zusammenraufen. Ergebnis: ein sehr solides viertes Album. Nun soll es offenbar auch wieder mit der Band weitergehen, die er 2003 gegründet hat, als er bei den Libertines rausgeflogen ist. Im August steht er bei einer Soloshow überraschend mit den Ex-Babyshambles Drew McConnell (Bass) und Adam Ficek (Drums) auf der Bühne. Dass das wohl keine einmalige Sache war, deutet Ficek später selbst an und spricht von einer “Neuinterpretation” der Indie-Antihelden im kommenden Jahr. Einen Nachfolger vom bislang letzten Album “Sequel To The Prequel” (2013) wollte aber noch niemand offiziell bestätigen.

Bit of a coup for the @roadmender in #NN on Wednesday, when a @petedoherty solo show turned into somewhat of a @babyshamblesuk reunion when Drew McConnell and Adam Ficek joined him on stage for the latter half of the gig. #babyshambles #petedoherty #libertines pic.twitter.com/gLBELZM029

— David Jackson (@davidtjackson) August 28, 2024

The Jesus Lizard

Für Konzerte haben sich die ursprünglich 1999 aufgelösten Noiserock-Ikonen schon zwischen 2009 und 2010 sowie immer wieder ab 2017 zusammengetan. Mit “Rack”, ihrem ersten Album seit 26 Jahren, machen The Jesus Lizard dieses Jahr ihre vorläufige Rückkehr perfekt, die erste Tour in Großbritannien und Irland seit 16 Jahren findet 2025 statt. Der Terminkalender soll aber wohl noch voller werden. Damit stehen die unbestrittenen Genre-Taktgeber exemplarisch für eine Art Revival der 90er-Noise-Szene, denn auch God Bullies um “Father” Mike Hard und Big’n haben neue Alben veröffentlicht. Bei ihnen sind sogar 30 beziehungsweise 28 Jahre seit der bislang letzten richtigen Platte vergangen. Kaum zu glauben: An keinem der Alben wirkte Steve Albini direkt mit, sein Stil prägt sie trotzdem.

The Bobby Lees

2022 veröffentlichten die Bobby Lees noch ein Album, auf dem Rock’n’Roll und Punk diabolischer denn je wirkten. Ende 2023 gingen die Lichter für die Band aus Woodstock, New York überraschend aus. Grund: finanzielle Unsicherheit durch das aktuelle Streamingsystem. Mit “Es ist verrückt, dass Leute heutzutage drei bis fünf US-Dollar für einen Kaffee ausgeben, aber nicht bereit sind, den gleichen Betrag für ein Album zu bezahlen”, kündigen sie ihre vorerst letzten Shows an. Dank Hollywood-Star, Muskelprotz und Szene-Musik-Connaisseur Jason Momoa können die Bobby Lees ihre Zwangspause aber bereits dieses Jahr beenden: Für die zweite Staffel der Serie “On The Roam” über Momoas Suche nach Kunst, Abenteuer und Freundschaft, begleitet und finanziert er ein neues Album der Band. Die neuen Episoden und das Album sollen 2025 erscheinen.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von THE BOBBY LEES (@thebobbylees)

Mclusky

Schon seit 2014 – neun Jahre nach ihrer Auflösung – treten die grantigen Noise-Weirdos aus Wales wieder unregelmäßig auf. 2023 gab es mit gleich vier Singles ihre erste neue Musik seit 19 Jahren. Wohl nur als ersten Vorgeschmack auf ein viertes Album, das 2025 über Mike Pattons Label Ipecac erscheinen soll. Das wäre dann ihr erstes seit 2004. Vorgeschmack? Fehlanzeige. Typisch sarkastisch heißt es zur Ankündigung lediglich: “Mclusky waren eine Band zwischen 1999 und 2005, und jetzt sind sie wieder eine Band. Ich weiß, umwerfend. […] Mclusky glauben fest daran, dass alle DJs Franzosen sein sollten.” Wie es aussieht, meinen es die Waliser um Andy Falkous aber ernst: Dieses Jahr tourten sie wieder durch Australien und die USA. Ursprünglich hatten Mclusky Pläne, ein weiteres Album mit Steve Albini aufzunehmen. Sein Tod kam ihnen zuvor.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von mclusky / future of the left (@_shit_rock_)

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

Auch Musik

In einem Youtube-Video kann man zwei jugendlichen Trap-Fans dabei zusehen, wie sie Kim Gordons Song “Bye Bye” zum ersten Mal hören. Die Jungs rasten vor Begeisterung aus, können kaum fassen, dass die Musik wie ein Track von Playboi Carti oder Ken Carson klingt. Nicht wirklich genauso, schließlich sind Gordons stilistische Handschrift und vor allem ihr Gesang unverkennbar – aber die fragmentierten, schlingernden Trap-Beats von “Bye Bye” hatte Produzent Justin Raisen (Charli XCX, Drake, Lil Yachty) tatsächlich zuerst Carti zugedacht und dann als zu abgefahren für den Atlanta-Rapper befunden. Genau richtig allerdings für Gordons zweites Soloalbum “The Collective”. Schon bei ihrer ersten Soloplatte “No Home Record” (2019) hatte Gordon mit Raisen gearbeitet, nur zu zweit, ohne weitere Beteiligte. Sie habe keine Lust mehr auf quälende Abstimmungen mit Bandmitgliedern, so Gordon in einem Interview, den Mythos von Sonic Youth ein für alle mal an den Nagel hängend.

Sowohl “No Home Record” als auch “The Collective” entstanden in Los Angeles, bewusst weit weg von New York City mit seinen Verflechtungen und Konnotationen. Und natürlich ist es ein Statement, ein Album, das zudem am Weltfrauentag erscheint, mit einem Track namens “Bye Bye” zu eröffnen. Der Text besteht aus Aufzählungen von Dingen, wie sie auch in Trap-Raps vorkommen, nur dass Gordon kein Konsumopfer ist, das sich nach Designerstücken von Balenciaga oder Rick Owens verzehrt. Im Gegenteil, sie will all den Kram nicht mehr, den uns der Kapitalismus als unverzichtbar suggeriert: “Hoodie, toothpaste, brush, foundation, contact solution, mascara, lip mask, eye mask – bye bye”. Auch in den anderen Songs bringt sie mit reduzierter Cut-up-Lyrik aktuelle Themen auf den Punkt. In “I’m A Man” schlüpft Gordon in die Rolle eines sich selbst bemit­leidenden Incels, der sich zu kurz gekommen fühlt, während das kraftvolle “Psychedelic Orgasm” weibliche Sexualität feiert.

Gordon, 1953 in Rochester, New York geboren, könnte sich auf ihren Lorbeeren ausruhen, die sie sich als Mitbegründerin, Bassistin, Gitarristin und Sängerin von Sonic Youth verdient hat. Sie gilt als Verkörperung von Coolness schlechthin, als feministische Musikerinnen-Identifikationsfigur. Dabei wollte sie nie ein Rockstar sein, kam über Umwege zur Musik. Gordon selbst sieht sich als Künstlerin und Performerin, die als eine Sache von vielen auch Musik macht. Nach ihrem Studium schrieb sie zunächst für Kunstmagazine und begann Instrumente mit demselben Interesse spielen zu lernen, wie man sich auch andere künstlerische Fertigkeiten aneignet. Ihre Rolle bei Sonic Youth sei konzeptuell gewesen, eine Choreografie, so Gordon in ihrer Autobiografie “Girl In A Band” – also das Gegenteil des rockmusikalischen Ideals einer Band. Es ist dieser übergreifende, antirockistische Ansatz, die Arbeit als bildende Künstlern, Modedesignerin, Autorin, Produzentin und gelegentliche Filmemacherin, die Gordons Musik so kühn macht – und manch Soloaufnahme ihrer früheren Bandkollegen im Vergleich konventionell erscheinen lässt.

Gordon nimmt sich Zeit, unterwirft sich keinem Veröffentlichungsdiktat: Nach dem vorläufigen Ende von Sonic Youth 2011 dauerte es ganze acht Jahre, bis sie ihr erstes Soloalbum in Angriff nahm, und auch dazu musste sie von Raisen überredet werden. Befreit von Bandstrukturen, im produktiven Tandem mit Raisen, konzentriert sich Gordon kompromisslos auf ihre avantgardistische Seite und betritt unerschrocken neues Terrain. Auf “The Collective” kombiniert sie experimentelle, lauernd-verzerrte Gitarrensounds mit dystopischem Noise, verknüpft 80er-Industrial mit Dub und Hyperpop zum scheinbaren Chaos. Aber das Album hat ein Programm, verfolgt einen Plan. Die Beats der ersten Hälfte zersplittern gegen Ende immer mehr, um sich im letzten Song “Dream Dollar” zischend aufzulösen. Trotz seiner Sperrigkeit ist der Sound vielschichtig und warm, gewachsen aus der unerschöpflichen Kreativität einer mutigen und visionären Künstlerin.

Innovative Innerlichkeit

Auch Beth Gibbons gehört zu einer stilprägenden Band: den TripHop-Pionieren Portishead. Auch sie hält sich mit Soloveröffentlichungen ziemlich zurück. Das war es aber schon in puncto Gemeinsamkeiten mit Gordon, eine der augenfälligsten Unterschiede zur US-Kollegin ist Gibbons’ so stille wie konsequente Medienverweigerung. Sie gibt schon lange keine Interviews mehr, äußert sich selbst nur schriftlich wie im Info zum neuen Album. Es existieren aus TV-Sendungen der 90er ein paar Aufnahmen, die ihre Schüchternheit und ihr Unwohlsein bei öffentlichem Sprechen peinvoll spürbar machen. Die Britin will weder über sich noch ihre Musik reden, auch über “Lives Outgrown” lässt sie ihren Produzent James Ford sprechen. Aus den Interviews mit Ford erfährt man unter anderem, dass Gibbons und ihr musikalischer Partner Lee Harris (ehemals Talk Talk) auf keinen Fall einen Loop- und Sample-dominierten Sound wie Portishead erzielen, sondern elektronisch wirkende Klänge mit akustischen Instrumenten herstellen wollten. Dass Gibbons immer neue Instrumente ins Studio mitbrachte, unter anderem Blockflöten und unzählige Gitarren. Dass sie vorschlug, Ford solle die Klaviertasten mit Löffeln anschlagen, und dass alle drei auf dem Boden herumkriechen sollten, um bestimmte Atemgeräusche zu erzeugen. Und dass nach Fords Empfinden das Album eigentlich schon ein Jahr früher fertig gewesen sei. Es ist Gibbons’ Perfektionismus geschuldet, dass immer wieder Neujustierungen und -aufnahmen vorgenommen werden mussten, weshalb die Platte erst im Mai 2024 erscheinen konnte.

Man kann nur darüber spekulieren, ob sich Gibbons von Ford verstanden fühlt, oder ob sie in Kauf nimmt, was er sagt, nur um selbst nicht das Wort ergreifen zu müssen. Letztlich sollte gelten, dass ein Kunstwerk für sich selbst stehen muss und keine Erklärungen und Auslegungen braucht. Aber dass “Lives Outgrown” ein so außergewöhnliches, bei aller Innerlichkeit innovatives Album geworden ist, auf das sich in 2024 so viele Kritiker:innen und Fans einigen konnten, hängt natürlich damit zusammen, dass seine Urheberin eine so enigmatische, verletzliche, für den Popbetrieb kaum taugliche Person ist – und das ist als Kompliment gemeint.

2002 veröffentlichte Gibbons mit Paul Webb alias Rustin Man (ebenfalls einstmals bei Talk Talk) das Album “Out Of Season”, ein in Jazz, Blues und Folk schwelgendes Werk, das modische Zeiterscheinungen mit Grandezza ignorierte. Danach komponierte Gibbons Filmmusik, und machte nach der (hoffentlich nur bislang) letzten Portishead-Platte “Third” 2008 erst wieder 2014 wieder von sich reden, als sie mit dem Nationalen Symphonieorchester des Polnischen Rundfunks unter der Leitung von Krzysztof Penderecki die 3. Sinfonie des Komponisten Henryk Mikołaj Górecki aufnahm. Bis zu ihrem eigentlichen ersten Soloalbum sollten weitere zehn Jahre vergehen. Zehn Jahre, in denen sich Gibbons körperlichen und emotionalen Veränderungen ausgesetzt sah. “Lives Outgrown” handelt in weiten Teilen von Mutterschaft, Menopause und Vergänglichkeit, also Themen, die im Popkontext nur selten verhandelt werden, im Leben einer knapp 60-Jährigen jedoch allgegenwärtig sind – und Gibbons stellt sich ihnen. Die Texte sind berührend und erschütternd, Gibbons’ Gesang wie eh und je suchend und zerbrechlich, das unausweichliche Ende stets mitdenkend oder wie in “Burden Of Life” sogar erwartend. Dass sie trotz ihrer Bartleby’schen “Ich möchte lieber nicht”-Verweigerungshaltung von den Fans geliebt wird und große Erfolge feiern kann, ist eine der schönsten Erkenntnisse des Musikjahrs 2024.

Zwischen Experiment und Stiltreue

Es sei ihr nie in den Sinn gekommen, eine Soloplatte aufzunehmen, sagt Kim Deal in Interviews zu ihrer, ja, Soloplatte “Nobody Loves You More”, die Ende November erschienen ist. Sie könne sich auch nicht vorstellen, dass es Leute gebe, die zu einem Soloauftritt von ihr gehen würden – obwohl ihr die Dandy Warhols schon 1997 den Song “Cool As Kim Deal” widmeten. Kimberley Ann Deal, 1961 in Dayton, Ohio geboren, hat ihr gesamtes Erwachsenenleben in Bands gespielt und immer im Bandkontext gedacht. Zu den Pixies kam sie 1986 über eine Zeitungsanzeige, die Black Francis/Frank Black und Joey Santiago geschaltet hatten, weil sie für ihre frisch gegründete Band jemanden am Bass suchten. Mit ihrem charakteristischen Laut-leise-Sound, den sägenden Gitarren und eingängigen Melodien werden die Pixies bald zur prototypischen Indie-, respektive Alternative-Band, Songs wie “Where Is My Mind?” oder “Monkey Gone To Heaven” sind Klassiker. Dass Kurt Cobain verkündete, dass ausgerechnet das von Deal geschriebene “Gigantic” sein Lieblingssong sei und er sich wünschte, sie würde mehr Songs für die Pixies schreiben (dürfen), erregte Frank Blacks Zorn – ohnehin gilt Black als despotischer Bandleader, der seinen Mitmusiker:innen nur wenig Raum zur Entfaltung zugesteht.

Deal, mit ihrer subalternen Rolle als Bassistin unzufrieden, gründete 1988 als Nebenprojekt zu den Pixies eine wahre Indie-Supergroup: die Breeders, in der Ursprungsformation aus Kim Deal, Tanya Donelly von den Throwing Muses und Britt Walford von Slint bestehend, bringen 1990 das von Steve Albini produzierte Debüt “Pod” heraus, drei Jahre später folgt das Meisterwerk “Last Splash”. Inzwischen hat Donnelly die Breeders verlassen, Josephine Wiggs und Kim Zwillingsschwester Kelley steigen ein, der alte Kumpel Jim McPherson übernimmt das Schlagzeug. Dass die Breeders trotz großartiger Songs nie so groß wurden wie die Pixies, lag neben internen Reibereien hauptsächlich an Suff und Heroin, wie Kim Deal freimütig zugibt. Nach dem Erfolg mit “Last Splash” ziehen sich die Deals für lange Zeit zurück, um clean zu werden und ihre kranken Eltern zu pflegen. Neue Breeders-Platten erscheinen erst wieder ab den frühen 2000er Jahren. Dazwischen und danach gründet Kim Deal das Projekt The Amps mit personellen Überschneidungen zu den Breeders, produziert Guided By Voices, veröffentlicht solo ein paar Singles und kehrt sogar zu den wiedervereinten Pixies zurück, die sie aber 2013 endgültig verlässt.

Die Breeders sind auf Courtney Barnetts zweitem Album “Tell Me How You Really Feel” (2018) zu hören, gehen ab 2023 mit “Last Splash” auf Jubiläumstour. Ab Anfang 2024 kursieren Gerüchte, dass es ein Soloalbum von Kim Deal geben könnte, im Juni erscheint der Song “Coast” – und im August bestätigt Deal die baldige Veröffentlichung des Albums. Auch wenn “Nobody Loves You More” als Soloalbum firmiert, ist es dennoch voller Deal-typischer Kooperationen: Ayse Hassan und Fay Milton von Savages sind dabei, fast alle Breeders, produziert wird die Platte teilweise noch von Albini, der während der Aufnahmen überraschend stirbt. Vergänglichkeit, Krankheit und Tod sind bestimmende Themen auf “Nobody Loves You More”, einige Songs wie “Wish I Was” existierten in ihren Urformen schon seit zehn bis 20 Jahren, entstanden in der Zeit, als Deal ihre demente Mutter pflegte. Das anrührende “Are You Mine?” geht auf einen Moment zurück, als die Mutter ihre Tochter nicht erkannte, “Summerland” bezieht sich auf lang zurückliegende Familienurlaube, “Coast” entstand 2020 nach der Hochzeit eines Freundes, der Ursprung des Songs läge aber noch viel weiter zurück, so Deal.

Musikalisch erlaubt sie sich mehr Experimente als in ihren Bandgefügen – obwohl sie ja bewusst nicht alles allein gemacht hat. In einigen Songs erklingt die von Deal so geliebte Ukulele, ein Instrument, das wegen Wiggs harscher Abneigung niemals bei den Breeders eingesetzt werden darf, eine Marching Band spielt auf, in “Are You Mine?” hört man eine Pedal-Steel-Gitarre. Songs wie “Big Ben Beat” und “Disobedience” sind dagegen durchaus auf einer Breeders-Platte vorstellbar, wurden sogar schon live von den Breeders gespielt: “Disobedience” passt perfekt zwischen “Cannonball” und “Divine Hammer”, befindet Deal selbst. Das Changieren zwischen Referenzen zum Lebenswerk und ungewöhnlichen Klang- und Stilexperimenten macht den Charme von “Nobody Loves You More” aus – Deal wird die geliebte Bandkonstellation wohl nie aufgeben, aber sie kann sicher sein, dass sehr viele Menschen ihre Solokonzerte besuchen werden.

Lässt sich aufgrund dieser drei sehr unterschiedlichen Alben von drei sehr unterschiedlichen Künstlerinnen ein Fazit ziehen oder ein Rezept für gelungene Werke erstellen? Das wohl nicht, aber ein paar Erkenntnisse kann man mitnehmen: zum Beispiel, dass es dem kreativen Output sehr entgegenkommt, wenn man sich selbst nicht allzu wichtig nimmt. Das eigene Schaffen nicht zu sehr glorifiziert. Und es vollbringt, altgediente Strukturen hinter sich zu lassen, etwa die Bands, in denen man sich einst Ruf und Ruhm erspielte. Diese Haltungen scheinen Beth Gibbons, Kim Deal und Kim Gordon zu einen. Drei Musikerinnen, die zu stilprägenden Kultbands gehörten und erst nach langen Pausen, in denen andere Dinge dringender waren als das nächste Album, zum Musikmachen zurückkehrten.

Darüber hinaus zeigen die Platten von Deal, Gibbons und Gordon, wie wichtig es ist, der eigenen Erfahrung zu vertrauen, sprich: einen eigenen Stil zu entwickeln und sich dafür Zeit zu nehmen. Angefangenes auch mal liegen zu lassen, wie Deal, oder vermeintlich Abgeschlossenes noch mal zu überprüfen, selbst wenn man seinen Mitstreitern damit auf die Nerven fällt wie Gibbons. Nicht einverstanden sein wie Gordon. Keine Scheu vor Themen haben, die scheinbar nicht ins coole Popgeschäft passen wie Wechseljahre, todkranke Angehörige oder schlichtweg Selbstzweifel. Und – dazu kommt man möglicherweise erst an einem späteren Zeitpunkt im Leben – sich die passenden Leute auszusuchen, mit denen man arbeiten möchte. Das sind im Falle Gordons tendenziell Jüngere wie Produzent Justin Raisen und ihre eigene Tochter Coco, die das Video zu “Banging On The Freeway” drehte, einem neuen Song von der Deluxe-Ausgabe von “The Collective”. Auch Gibbons gibt ihre Songs in die Hände eines jüngeren Produzenten, während Deal in gewohnter Manier alte und neue Freund:innen um sich schart. Und der vielleicht wichtigste Schluss: zur eigenen Eigentümlichkeit stehen.

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

Sum 41

Bereits im Mai 2023 verkünden Sum 41 ihre Auflösung. Ein letztes Album soll es 2024 geben und eine ausgiebige Abschiedstour. Als Begründung gibt Frontmann Deryck Whibley in Interviews zu “Heaven :x: Hell” an, dass seine Kreativität für die Band nachlasse. Zuvor hat er jahrelang gesundheitliche Probleme und bekämpft erfolgreich seine Alkoholsucht. Außerdem beschuldigt er in seiner diesjährigen Autobiografie “Walking Disaster” den ehemaligen Bandmanager Greig Noiri des sexuellen Missbrauchs. Bis ins Frühjahr 2025 wird die Band noch in Nordamerika auftreten, doch hierzulande war es das: Ihre letzten Konzerte in Deutschland spielen sie im November. Auf der Habenseite stehen nach fast 30 Jahren Karriere acht Alben, darunter die Bestseller “All Killer No Filler” (2001), “Does This Look Infected?” (2002) und “Chuck” (2004).

Metz

Die Meldung, dass Metz die berüchtigte “Pause auf unbestimmte Zeit” einlegen, kommt nicht ein Jahr vor ihrer Tour 2024, sondern einen Monat. Der Schock ist entsprechend groß, nicht nur aus Reihen von Idles, The Dirty Nil oder Gilla-Band, auch bei VISIONS, wo ihr diesjähriges Album “Up On Gravity Hill” in Ausgabe 373 den Soundcheck toppt. Im Interview ein paar Seiten weiter spricht Bandkopf Alex Edkins noch von einem Neuanfang, aber auch davon, wie sehr es ihn belastet, für Touren von seiner Familie getrennt zu sein: “Es zerreißt einen. Ich bin einfach ständig im Zwiespalt.” Die Shows in Berlin und Hamburg sind eine Noiserock-Machtdemonstration, ihrem Statement zufolge werden sich Metz nun auf ihre Familien und neue Unternehmungen konzentrieren. Bei Edkins wären das sein Soloprojekt Weird Nightmare und seine Arbeit als Soundtrack-Komponist.

Refused

Dass Refused sich auflösen, deutet sich seit März an. Ihr letztes Konzert in ihrer Heimat Schweden müssen die Hardcore-Legenden allerdings absagen, weil Frontmann Dennis Lyxzén einen Herzinfarkt erleidet. Ab September heißt es “Refused Are Fucking Dead… And This Time They Really Mean It” auf einem Poster für Konzerttermine 2025 in Nordamerika, später wird die Band für einige Festivals in Europa bestätigt. Die Ankündigung einer regulären Europatour steht aber noch aus. Genauso unklar ist, ob noch mal neue Musik erscheint. Falls nicht, wäre die letzte Refused-Veröffentlichung die EP “The Malignant Fire” von 2020. Anfang November erscheint eine “The Shape Of Punk To Come”-Reissue mit einer Bonusplatte, auf der Bands wie Quicksand, Brutus, Touché Amoré und sogar Snapcase Songs des Klassikers covern.

Off!

Bei der Supergroup um Hardcore-Legende Keith Morris (Circle Jerks, Black Flag) geht die Auflösung mit der Veröffentlichung ihres lange erwarteten Spielfilms “Free LSD” einher: Ihre letzte Show spielen Off! am 26. Juli im Belasco in Los Angeles mit Surfbort im Vorprogramm, danach führen der 69-jährige Morris und Gitarrist Dimitri Coats “Free LSD” aber noch bis Anfang August in verschiedenen kalifornischen Kinos auf und geben anschließend Panels. Das letzte Off!-Album, ebenfalls “Free LSD” betitelt und der Soundtrack zum Film, ist da schon fast zwei Jahre alt. Wenig später erscheinen Film und Album im Boxset mit vier bislang unveröffentlichten Songs aus den Albumsessions. Von Morris weiß man, dass er derzeit mit den Circle Jerks am ersten Album seit “Oddities, Abnormalities And Curiosities” (1995) arbeitet.

Japandroids

Jedes Ende einer beliebten Band aus dem VISIONS-Kosmos ist traurig, bei Japandroids tut es besonders weh, weil das kanadische Duo mit seinem letzten Album “Fate & Alcohol” nicht touren wird. Ein geplantes Interview mit VISIONS sagt Drummer und Sänger David Prowse ab, zuvor hat es nur wenige Pressegespräche gegeben. Das letzte Mal getroffen haben sollen sich er und Sänger und Gitarrist Brian King im März für finale “Fate & Alcohol”-Aufnahmen, Geschäftliches und das Albumcover-Fotoshooting. Sie haben sich auseinandergelebt, persönlich, musikalisch und auch räumlich: Prowse lebt in Vancouver, King seit einiger Zeit in Ann Arbor, Michigan, wo seine Frau an der Uni arbeitet. Die letzte Japandroids-Show hat damit bereits 2018 stattgefunden, als Abschluss der Tour zum Album “Near To The Wild Heart Of Life” aus dem Jahr davor.

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

In den USA muss man nicht notwendigerweise tot sein, um eine Straße nach sich benannt zu bekommen, aber es hilft. Für jeden Jimi Hendrix, für jeden David Bowie und für jeden Tupac gibt es auch eine Missy Elliott, einen Dave Grohl, einen Paul McCartney, der theoretisch an seine eigene Adresse ziehen könnte. Bei Steve Albini erfolgt die Würdigung posthum, und zwar am 25. November an einem kalten Tag in Chicago. Hier in der West Belmont Avenue existieren seit 1997 Albinis Electric Audio Studios, deren strikt analoges Equipment einen legendären Ruf unter den unterschiedlichsten Musikern und Musikerinnen hat. Eine davon ist Kim Deal, bekannt von den Breeders und den Pixies, die mit einer kurzen Rede die Zeremonie eröffnet. Der Häuserblock mit den Hausnummern 2600 bis 2700 soll von jetzt an den Beinamen Steve Albini Way tragen, aus den direkt dort gelegenen Studios hieß es erst vor Kurzem, dass man die geschätzte Arbeit auch nach dem Ableben des Meisters weiterzuführen gedenke.

Albini sei ein fehlerhafter Mensch gewesen, sagt Deal, jemand, der sich innerhalb von zwei Sätzen selbst widersprechen konnte. Aber er hätte auch seine guten Seiten gehabt. “Er kannte den wahren Wert eines jeden Menschen”, sagt sie, nur um dann hinzuzufügen: “Naja, vielleicht nicht von jedem. Wenn du ein Mobber warst, konnte er dich überhaupt nicht leiden. Er war jemand, der immer für den Underdog eintrat. Er mochte Underdogs, Gewinnertypen dagegen nicht so wirklich. Ich glaube, er mochte Menschen mit einem gesunden Maß geringen Selbstbewusstseins.” Die Rede dauert nur kurz, aber sie ist herzlich und rührend. Fast so rührend wie das Foto, das die Breeders am Tag nach dem Tod des Produzenten im Mai auf den sozialen Netzwerken gepostet hatten. Es zeigt einen jungen Albini circa 1990 in zeittypischer Garderobe inklusive labbrigem weißem Sweater. In der einen Hand hat er ein Bündel Kabel, in der anderen einen ausgestreckten Mittelfinger. Was allegorische Darstellungen angeht, um das Leben eines Menschen auf den Punkt zu bringen, ist es eine der gelungeneren.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von The Breeders (@thebreeders)

Das Problem mit Musik

Was den Werdegang von Steve Albini angeht, muss man an dieser Stelle nicht mehr viele Worte verlieren. Der Nachruf in VISIONS 375 und Michael Setzers Noiserock-History in VISIONS 378 zeichnen bereits ein relativ detailliertes Bild, wichtiger als biografische Details sind im Zweifel die Philosophie Albinis und die Konsequenz, mit der er sie umsetzt. “Es geht Albini um Selbstermächtigung, Unabhängigkeit von der Plattenindustrie und unverfälschte Kultur”, schreibt Setzer. “Aber vor allem geht es ihm darum, die Energie einer Band im Raum einzufangen. Albini wird zu einer Art Volkshochschule und Taktgeber für den Underground, einem Dienstleister an der Kultur.” Dass dieses Kulturverständnis Zeit seines Lebens tief in einem Punk- und Underground-Credo verwurzelt bleibt, ist die nachhaltigste Hinterlassenschaft des Toningenieurs, auch wenn er damit immer wieder auf einen Konfrontationskurs gezwungen wird.

Zwei Dokumente – beide von 1993 – sind dabei bis heute am aufschlussreichsten. Bei dem einen handelt es sich um einen vierseitigen Brief, in dem er Nirvana über seine Vorstellungen von der Studioarbeit an “In Utero” informiert, bei dem anderen um einen etwa doppelt so langen Aufsatz mit dem schönen Titel “The Problem With Music”. Darin packt Albini über all das aus, was seiner Meinung nach im Argen liegt in der Musikbranche, und er nimmt kein Blatt vor den Mund. Schon der ganze gewinnorientierte Ansatz der Branche ist in seinen Augen ein nicht wiedergutzumachender Fehler. “Wenn ich mit einer Band spreche, die im Begriff ist, bei einem Major-Label zu unterschreiben, denke ich an sie immer in einem bestimmten Kontext”, schreibt er gleich zu Beginn. “Ich stelle mir einen Graben vor, etwa einen Meter breit und fünf Fuß tief, vielleicht 60 Meter lang, gefüllt mit flüssiger, verwesender Scheiße. Ich stelle mir diese Menschen, manche davon gute Freunde, manche kaum Bekannte, an einem Ende dieses Grabens vor. Und ich stelle mir einen gesichtslosen Industrielakaien am anderen Ende vor, der einen Füllfederhalter und einen Vertrag in der Hand hält, der auf die Unterzeichnung wartet.”

Es folgt ein beispielloser Rundumschlag, bei dem er Plattenfirmen- und Pressemenschen und sonstiges Industriepersonal als Parasiten oder gleich als Scheißhaufen beschimpft und anhand eigener Erfahrungen schildert, was alles schiefgehen kann auf dem Weg zum Ruhm, wenn man seine künstlerische Integrität an der Studiotür abgibt. Anhand einer detaillierten Kostenauflistung führt er anschließend an, wie Major-Labels hoffnungsvolle junge Bands über den Tisch ziehen und in die finanzielle Leibeigenschaft führen können. Es ist die Art von Information, die die Branche lieber geheim hält und die Albini den Ruf eines Nestbeschmutzers einbringt. Und die ihn gleichzeitig zum Helden in den Augen von Fans und Bands macht, die mehr vom Leben wollen als die berühmten 15 Minuten zweifelhaften Ruhms.

Zu Albinis Integrität gehört schon damals seine Bereitschaft, einerseits mit jedem zusammenzuarbeiten, der seine Dienste requiriert, sich andererseits auch die nachträgliche Beurteilung dieser Zusammenarbeit vorzubehalten. Legendär, weil ätzend und lustig, sind seine Äußerungen über verschiedene der Gruppen, mit denen er zu tun bekommt, erfolgreich oder nicht. Die Pixies sind für ihn “eine Band, die selbst an ihren besten Tagen höchstens langweiligen College-Rock spielt” und kommen ihm nach ihrem Durchbruch wie “vier Kühe, die sich nach ihren Nasenringen sehnen”. Später revidiert der Produzent sein Urteil und baut eine lebenslange Freundschaft zu Kim Deal auf, doch sein loses Mundwerk ist bis zuletzt nicht totzukriegen. In ihrem Tribut nach Albinis Tod zeigen Fucked Up eine Mischung aus Irritation und Respekt, die typisch ist: “Du hast uns gehasst und dich über uns lustig gemacht, während wir in deinem Studio aufnahmen. Aber du bist für etwas Ehrliches und Faires in der Musik eingetreten und hast versucht, sie in allem, was du getan hast, besser zu machen. So einen wie dich wird es nie wieder geben.”

rip steve

you hated our band and made fun of us while we were recording at your studio but you stood for something honest and fair in music and tried to make it a better place in everything you did and there will never be another one like you

— Fucked Up (@FUCKEDUP) May 8, 2024

Toller Scheiß aus allen Ritzen

Zu dieser Ehrlichkeit und Fairness gehören im Grunde zwei Aspekte. Erstens die bereits angesprochene Integrität im Haifischbecken Musikindustrie, zweitens die Studioarbeit selber, der Aufnahmeprozess. Albini achtet den Wunsch jeder Band nach Ausdruck ihrer Kreativität, selbst wenn er mit der Musik persönlich nichts anfangen kann. Er glaubt, es sich selbst schuldig zu sein, die Essenz einer jeden Band zu erfassen und sie in ihrer musikalischen Vision zu unterstützen, unabhängig von seiner eigenen Qualitätseinschätzung. Den prestigeträchtigen Titel des Produzenten lehnt er rundheraus ab, denn er ist der Meinung, sich dadurch selbst zu sehr in den Vordergrund zu spielen. Der Personenkult, den namhafte Kollegen wie Rick Rubin, Ross Robinson oder Mutt Lange umgibt, ist ihm zuwider, und die Vorstellung, Songs am Mischpult auf Hit zu trimmen, unerträglich. Bei Albini soll der Kunde der König sein, und der Kunde ist die Band und nicht die Plattenfirma.

Um zu gewährleisten, dass das fertige Produkt ausschließlich den Vorstellungen der beteiligten Musiker:innen entspricht, wählt er einen minimalistisch anmutenden Aufnahmeansatz. Das Studioequipment ist rein analog, besonderen Wert legt er lediglich auf die Position der Mikrofone. Das Indie-Label Secretly Canadian postet kurz nach Albinis Tod ein von ihm selbst gezeichnetes Studioschema, das zeigt, wie er seinerzeit mit der Band Magnolia Electric Co. arbeitet. Entsprechend der Rolle der Instrumente positioniert der Toningenieur die Mikros, es ist ein wesentlicher Kunstgriff seiner Vorgehensweise und mit der wichtigste Teil seiner Vorbereitung. Durch einen möglichst einfachen Aufbau soll gewährleistet sein, dass so wenig wie möglich zwischen der musikalischen Idee und ihrer Umsetzung steht, denn der beste Sound ist für Albini der Livesound. Endlose Takes, Overdubs und nachträglich eingebaute Effekte sind ihm ein Gräuel, weshalb er die Bands, die er aufnimmt, dazu animiert, ihr Repertoire anderswo zu proben, um dann in seinem Studio direkt auf den Punkt zu kommen. Wenn es einer Band nicht gelingt, in einem oder zwei Takes ein zufriedenstellendes Ergebnis zu erzielen, kann der Produzent schnell die Geduld verlieren. Musiker:innen, die das etablierte Schichtverfahren gewohnt sind, bringt das bis­weilen zur Weißglut, doch sie schätzen auch die Herausforderung, vor die Albini sie stellt.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Secretly Canadian (@secretlycanadian)

“Jeder kann Noten spielen”, sagt er. “Das ist keine Kunst. Die Kunst besteht darin, eine Gitarre dazu zu bringen, Dinge zu tun, die überhaupt nicht wie eine Gitarre klingen. Hier geht es darum, Grenzen zu erweitern.” Entsprechend blumig werden Musiker:innen zuweilen, wenn sie beschreiben sollen, wie sich die Arbeit mit ihm anfühlt. “Er hat einige der zermürbendsten Sachen geschrieben, die jemals aufgenommen wurden, verwirrende Cinéma-Vérité-Aufnahmen, die den Fokus von klein/trocken zu riesig/höhlenartig zogen, ein Volleyball, der gegen einen Maschendrahtzaun schlägt, und eine Gitarre, die sich seit meiner Jugend in meinem Gehirn eingebrannt hat”, schreibt etwa Dan Boeckner von Wolf Parade. Albinis Philosophie gilt dabei nicht nur für die zahllosen Bands und Musiker:innen, mit denen er ins Studio geht, sondern exemplarisch auch für seinen eigenen kreativen Output. Mit Big Black, Shellac und seinen diversen Nebenprojekten lebt er vor, was er sich unter der Lust am lauteren Lärm vorstellt.

“Mindestens so prägend für alles, was später Noiserock genannt werden soll, ist neben Albinis Musik, die er nach Rapeman mit Shellac weiterführt, seine Ästhetik”, schreibt Michael Setzer. Eine Ästhetik, die auch auf “To All Trains”, dem letzten, wenige Tage nach seinem Tod veröffentlichten Shellac-Album zu Tage tritt. “Toller Scheiß quillt hier aus allen Ritzen”, urteilt der VISIONS-Autor damals über die LP. “Shellac sind auch 2024 roher, aufs Greifbare reduzierter Rock, beiläufig hochmusikalisch, irrsinnig dynamisch, ohne Anwandlungen von Gefallsucht und mit en masse cleverem Zeug, das von überall herkommt, nur eben nicht, weil zu viel darüber nachgedacht wurde. Bauch, Herz, fertig, aus. Ja, Zynismus und rechtschaffene Wut auch.”

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von The Breeders (@thebreeders)

Bauch, Herz, fertig, aus. In knapperen Worten lässt sich womöglich nicht zusammenfassen, was Albinis künstlerische Lebensan­schauung ausmacht. “Ich habe an Hunderten von Platten gearbeitet (manche großartig, manche gut, manche schrecklich, viele davon im Hinterhof), und ich habe während des gesamten Prozesses einen direkten Zusammenhang zwischen der Qualität des Endergebnisses und der Stimmung der Band gesehen”, meint er. “Wenn die Aufnahme lange dauert und alle genervt sind und jeden Schritt hinterfragen, dann haben die Aufnahmen wenig Ähnlichkeit mit der Liveband, und das Endergebnis ist selten schmeichelhaft. Punk-Platten zu machen ist definitiv ein Fall, bei dem mehr ‘Arbeit’ nicht gleichbedeutend mit einem besseren Endergebnis ist.” Und weiter: “Ich bin nur daran interessiert, an Platten zu arbeiten, die die eigene Wahrnehmung der Band von ihrer Musik und Existenz widerspiegeln. Wenn sie sich dazu als Grundsatz der Aufnahmemethodik verpflichten, werde ich mir den Arsch für sie aufreißen. Ich werde rund um die Uhr mein Bestes für sie geben.”

Punkrock und Professionalität müssen sich für Albini dabei nicht ausschließen, im Gegenteil. “Wenn du ins Studio gehst und mehr als fünf Leute da sind, wird erfahrungsgemäß eine der Kopfhörerboxen nicht funktionieren”, erinnert sich Kim Deal, die aktuell auch ein Albini-Gedächtnis-T-Shirt über die Breeders-Homepage vertreibt, anlässlich der Aufnahmen zu ihrem Soloalbum. “Nicht mit Steve. Was auch immer man tun will, alles wird funktionieren. Alles stimmt. Dieser Mann, den ich mit seinem überragenden Ruf als Punk-Typ gewohnt bin, ist einfach so vorbereitet, so professionell.” Neurosis, die mit Albini gleich mehrere Platten aufnehmen, beschreiben es ähnlich. “Wir haben von Steve so viel über No-Nonsense, High-Fidelity und analoge Aufnahmen gelernt, und mit der Zeit wurden unsere Sessions immer schneller und schneller”, schreibt die Band in ihrem Nachruf. “Er hat unseren Traum wahr gemacht, toll klingende Aufnahmen unserer Band zu machen, und dafür sind wir ihm für immer dankbar.”

Friede den Hütten, Krieg den Palästen

Nicht unerwähnt bleiben darf in diesem Zusammenhang auch die egalitäre Haltung, für die Albini über die Studiopraxis selbst hinaus bekannt war. Wenn er die Aufnahmetaste drückt, lässt er sich nicht von Ruhm und kommerziellem Erfolg blenden. Die obskurste japanische Außenseiter-Band nimmt er genauso wichtig wie den Auftrag, einen Millionenseller für Bush zu produzieren. Und was Millionenseller angeht, ist wohl keine seiner Arbeiten so bedeutend wie die für Nirvanas “In Utero”. Als die Band seine Dienste anfragt, bekundet Albini nicht nur Interesse, sondern schreibt der Band einen ausführlichen Brief, in dem er in fünf Punkten seine Vorgehensweise darlegt und sie auf seine Philosophie einschwört. “Ich halte es nicht für meine Aufgabe, euch zu sagen, was ihr tun oder spielen sollt. Ich lasse euch gerne meine Meinung wissen, aber wenn die Band beschließt, etwas zu tun, sorge ich dafür, dass es auch passiert”, steht da. “Ich lasse gerne Raum für Unfälle und Chaos. Eine nahtlose Platte zu machen, auf der jede Note und jede Silbe am rechten Ort ist und die Basstrommel jeweils identisch, ist keine Kunst. Ich ar­beite lieber an Platten, die Größeres im Sinn haben, Dinge wie Originalität, Persönlichkeit und Enthusiasmus.”

Der Brief ist offen und ehrlich, doch es ist der fünfte Punkt, der Albini wohl von allen anderen Produzenten der Welt unterscheidet. Unter der Überschrift “Knete” wird da nämlich veranschaulicht, dass er ein gänzlich unamerikanisches Verständnis vom Geldverdienen hat. “Ich habe es Kurt schon mal erklärt, aber ich denke, ich erwähne es hier noch einmal”, schreibt der Toningenieur. “Für alle Aufnahmen, die ich mache, will und werde ich keine Tantiemen und keine Beteiligung annehmen. Ich finde es ethisch nicht zu verteidigen, einem Produzenten oder einem Toningenieur Tantiemen zu zahlen. Die Band schreibt die Songs. Die Band spielt die Musik. Die Fans der Band kaufen die Platten. Die Band ist dafür verantwortlich, ob es ein großartiges oder ein furchtbares Album wird. Tantiemen gehören der Band. Ich möchte bezahlt werden wie ein Klempner: Ich erledige den Job, und ihr bezahlt mir den Wert der Arbeit. Die Plattenfirma erwartet, dass ich ein oder anderthalb Prozent verlange. Wenn man von Verkäufen von drei Millionen ausgeht, wären das circa 400.000 Dollar. Um nichts auf der Welt würde ich so viel Geld annehmen. Ich würde nicht mehr schlafen können.” Am Ende sind es wohl eher zwei Millionen Dollar, die sich der Produzent durch die Lappen gehen lässt. Eine Summe, die jeden anderen um den Schlaf bringen würde. Und ein hoher Preis für eine Integrität, die sich nicht einmal überall herumspricht. Steve Albini war trotzdem bereit, ihn zu zahlen.

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«

Conor, noch vier Gigs, dann ist für euch Weihnachtspause. Nach einem wochenlangen Ritt durch halb Europa mit fast täglich einer Show. Wie fühlt sich die Aussicht auf diese Auszeit an?
Conor Curley: Ganz gut. Wir sind ziemlich müde. Die Shows sind super, wir genießen das. Aber ich freue mich auf diese Auszeit, um an etwas anderes zu denken.

Wenn eine Band im Spätherbst unterwegs ist, sieht man kaum Tageslicht.
Das stimmt. Daher waren unsere Termine Mitte November in Deutschland gut. Das Wetter war sonnig, in den Städten wurden die ersten Weihnachtsmärkte aufgebaut. Was für zusätzliches Licht sorgte. Das hat mir gut gefallen.

Du hast auf “Romance” deine Premiere als Sänger gegeben, das Stück “Sundowner” ist allabendlich Teil der Setlist. Genießt du den Moment, wenn du mitten in der Show einen Song lang im Mittelpunkt stehst?
Als wir anfingen, ihn zu spielen, war ich sehr nervös. Ich hatte in dieser Band noch nie gesungen. Früher schon, als ich Teenager war. Aber das war vor 50 Leuten. Jetzt sind es bis zu 10.000, und es brauchte ein bisschen Zeit, bis ich mich daran gewöhnt hatte. Aber jetzt genieße ich es. Der Song hat meine Persönlichkeit geformt. Von der Konzeption übers Singen auf dem ersten Demo und später im Studio bis zur Performance, mit den richtigen Emotionen, dem richtigen Charakter. Es hat großen Spaß gemacht, mich in dieser Intensität diesem Stück zu widmen.

Klingt, als hättest du als Sänger Feuer gefangen.
Ja, die gute Erfahrung mit “Sundowner” hat mich dazu gebracht, mehr singen zu wollen. Nicht unbedingt im Rahmen dieser Band. Sondern generell. Es bereitet mir viel Spaß, Musik zu entwickeln, für Gitarre oder Keyboards, Schlagzeugparts. Zu singen, ist aber eine andere Sache. Es zieht dich noch tiefer in den Song, ist aber auch anstrengend. Mein höchster Respekt gilt unserem Sänger Grian, der Abend für Abend mit großer Zuverlässigkeit eineinhalb Stunden lang unsere Songs singt. Da sind einige dabei, die wirklich anspruchsvoll sind. Songs wie “Starburster” oder “Romance” lassen sich nicht einfach so dahinsingen. Diesen einen Song zu singen, hat meinen Respekt vor seiner Leistung noch erhöht.

Das Album ist jetzt einige Monate draußen, was gefällt dir rückblickend am besten daran?
Erstens fühlt es sich immer noch gut an, diese Lieder zu spielen. Das ist wichtig. Zweitens habe ich das Gefühl, dass die neueren Klänge und wohl auch die knackigere Produktion bei vielen jüngeren Leuten, die nach guter alternativer Rockmusik suchen, gut ankommt.

Knackigere Produktion heißt für dich?
Dass die Songs problemlos im Radio laufen können. Dass sie das dafür nötige Volumen haben.

Was für das Album spricht: Ihr eröffnet eure Shows mit dem Titelstück, der letzte Song des Hauptsets ist “Favourite”, die letzte Zugabe “Starburster”. Dass ausschließlich neue Songs diese drei bedeutsamsten Slots besetzen, ist ungewöhnlich.
Bei “Favourite” überrascht uns das nicht. Uns war gleich klar, dass wir hier einen „Leute-auf-die-Schuler-heben“-Song haben. Sommerliche Indie-Euphorie. Wir schreiben gerne Songs dieser Art, sie liegen uns im Blut. Was jedoch bei “Starburster” abgeht, ist unglaublich. Ich habe noch nie gesehen, dass sich die Massen zu unserer Musik so bewegen, so verrückt werden. In Irland und Großbritannien haben wir bei den Shows grüne Sturmhauben verteilt. Auch der2r grüne Trainingsanzug, den Grian im Video trägt, ist zu haben. Die Leute ziehen sich das Zeug an, setzen sich die Sturmhauben auf – und performen den Song in der Masse auf ihre Art. Von oben auf der Bühne aus betrachtet sieht das irre aus. Es ist gespenstisch, beinahe erschreckend.

Habt ihr die Liveverwertung der Songs beim Komponieren und der Aufnahme gleich mitbedacht?
Früher ja, ausgerechnet bei diesem Album jedoch nicht. Umso schöner, dass es dennoch so gut funktioniert. Wir haben vor Beginn der Arbeit an “Romance” die Regel über Bord geworfen, darüber nachzudenken, wie diese Stück live ankommen würden, wie wir sie spielen könnten.  Wir dachten uns: Wen kümmert das schon, lasst uns einfach das Album machen, das wir machen wollen – den Rest werden wir später herausfinden.

Für was steht “Romance” für dich, also der Begriff der Romantik?
Grundlage der Romantik ist die Erkenntnis eines Schreckens. Eines modernen Schreckens. Die Erkenntnis, dass wir im absoluten Überfluss leben und alles, was wir vermeintlich haben wollen, mit der Fingerspitze berühren können. Dazu die Erkenntnis, dass uns das in gewisser Weise krank macht. Im Zentrum dieses Schreckens bleibt jedoch die Möglichkeit, eine wahre Liebe zu etwas oder jemandem zu empfinden. Angesiedelt ist diese Möglichkeit in einem Raum außerhalb der giftigen Sphäre. Es ist ein sicherer Ort, von dem wir glauben, dass er existiert – aber nicht wissen, wie wir dorthin gelangen.

Ein fiktionaler Ort in einer realen Welt.
Ja, und genau diese Idee, nach der das Album “Romance” ein fiktionaler Ort ist, hat dazu geführt, dass unsere Kreativität grenzenlos sein durfte. Wir haben mit diesem Album eine Welt erschaffen. Eine Welt, die nach Schönheit in der Dunkelheit sucht. So beginnt ja auch der Titelsong: “Into the darkness again/ In with the pigs in the pen/ God knows I love you”. In unseren Songs suchen wir nach der Menschlichkeit innerhalb des toxischen, uns krank machenden Elends, und ich glaube, dass viele Leute sich dieser Suche anschließen möchten. Das Thema ist universell, weshalb sich so viele Menschen in unserer Musik wiederfinden. Grian schreibt keine simplen Liebeslieder, er hat keine einfachen Botschaften, und auch unsere Musik ist kein Easy Listening. Aber gerade deshalb passt sie in die Zeit, in der wir aktuell leben.

Ist dieses Suchen nach der Schönheit im Dunklen ein typisch irischer Ansatz?
Ich glaube nicht, nein. “Romance” ist für uns eine Abkehr vom Irisch-sein. Wir haben bewusst den Einfluss der irischen Kultur runtergedimmt. Das gelingt natürlich nie ganz, klar, aber wir wollten eben auch nicht nur die Jungs sein, die immer irisches Zeug machen. Es hat uns auch großen Spaß gemacht, unsere Klamotten so zu ändern, dass wir nicht mehr wie irische Jungs aussehen.

Und die Frisuren teilweise auch.
Exakt.

Damit beginnt also eure post-irische Phase.
Ja, wir sind jetzt New Romantics. (lacht)

Wer ist dein Lieblingsromantiker?
Wim Wenders. Kein Romantiker der alten Schule, aber jemand, der unglaublich romantische Filme dreht. Sein aktueller Film “Perfect Days” ist toll; mein absolutes Lieblingswerk von ihm ist aber “Der Himmel über Berlin”. Ich bin auf den Film erst gekommen, weil in ihm die Band Crime & The City Solution einen Auftritt hat und den Song “Six Bells Chime” spielt. Mit dabei ist Rowland S. Howard, mein Lieblingsgitarrist und leider schon verstorben. Ich sah die Perfomance der Band in einem Youtube-Video und wusste gar nicht, dass sie aus einem Spielfilm stammt. Ich hielt es für ein fantastisches Musikvideo. Vom Film erfuhr ich erst beim Lesen der Kommentare unter dem Clip. Ich war damals gerade aus Nordamerika zurückgekommen, litt unter Jetlag, lag um vier Uhr morgens wach und dachte mir: Schaust du dir eben den Film an. Und er hat mich umgehauen. Diese Poesie, diese Dialoge. Die Idee, dass Engel den Gedanken der Menschen zuhören und sie bei den Dingen beobachten, die sie in der geteilten Stadt Berlin tun. Dazu die Vorstellung, dass das Göttliche unbedingt Mensch werden will, um Liebe und Schmerz zu empfinden. Ich finde, es gibt nichts Romantischeres als diese Geschichte. Wenders hat eine unglaublich große Vorstellungskraft, und er ist in der Lage, sie in gewaltige Bilder und Dialoge umzusetzen. Für mich ist er eine große Inspiration für meine Kunst geworden. Es wird Zeit, dass ich ihn auch mal im Kino sehe. Und ich muss ihn unbedingt zusammen mit Grian schauen!

Es könnte also sein, dass eure nächste Platte von Berlin beeinflusst sein wird.
Es wäre nicht die erste.

Bevor eure Tour 2025 in Asien und Südamerika weitergeht, hast du Anfang 2025 ein paar Tage frei. Wir wirst du sie nutzen?
Ich freue mich darauf, mich für ein paar Wochen ins ländliche Irland zu verziehen, dorthin, wo mich keine Menschenseele kennt. Um dort meine Musik zu entwickeln. Ich habe eine Menge Ideen. Ob daraus einmal Sachen für Fontaines D.C. entstehen oder es der Beginn eines anderen Projekts sein wird, weiß ich noch nicht. Und es kümmert mich auch zunächst einmal nicht.

Wie gelingt es euch als Band, auf Tour eine Art von Heimatgefühl aufzubauen?
Auf dieser Tour haben wir eine Dartscheibe dabei. Ein paar Pfeile zu werfen, ist sehr meditativ.

Wer ist der beste Dartspieler in der Band?
Das bin ich. Ohne wirklich gut zu sein. Aber ich steigere mich. Noch bin ich vom perfekten Spiel weit entfernt, sprich, in neun Würfen von 501 Punkten auf die Null zu kommen. Mal sehen, wie das nach der Tour aussieht.

Und wenn es mit dem berühmtem “Neundarter” klappt?
Dann siehst du mich triumphierend auf Social Media!

Jahresrückblick 2024
Schönheit in der Dunkelheit

Inhalt

1. Jahresrückblick 2024: Die Momente des Jahres – Schlauchboot, Hiebe, Wiederwahl
2. Jahresrückblick 2024: Britpop – Alte Penner, neue Stimmen
3. Jahresrückblick 2024: Comebacks – Fünf sind wieder da
4. Jahresrückblick 2024: Deal, Gibbons, Gordon – In der Haltung vereint
5. Jahresrückblick 2024: Bandsplits – Fünf sind nicht mehr
6. Jahresrückblick 2023: Steve Albini – Der Gamechanger
7. Jahresrückblick 2024: Neulinge – Fünf für '25
8. Jahresrückblick 2024: Die 50 Alben des Jahres – Harte Musik für harte Zeiten
9. Jahresrückblick 2024: Fontaines D.C. im Interview – Gespenstisch, beinahe erschreckend
10. Jahresrückblick 2024: Blinddate – »Jack White zeigt uns allen, wo wir stehen«
11. Jahresrückblick 2024: By Its Cover – Fontaines D.C. - »Romance«